Zauberei

Liebe Leser,

ich habe schon seit längerem keinen Beitrag mehr hier im Blog geschrieben. Sorry, aber es war wirklich viel zu tun, insbesondere zu spielen. Was nach der langen Corona-Pause (von der uns ja im Herbst vielleicht eine neue bevorsteht) auch wieder nötig war. Ich machte also, zumeist mit meinem genialen Duopartner Joe Bawelino, die Bühnen Süddeutschlands unsicher. Dies stets vor mindestens wohlwollendem, meistens begeistertem Publikum. Das war natürlich Balsam für die geschundene Musikerseele. 

Nicht zu selten stellt man mir die Frage, wie lange man denn (zusammen) spielen müsse, um auf das Level der aktuellen Darbietung zu kommen oder eben, woher es kommt, dass man so schön (gemeint ist „gut“) spielt. Am schönsten wäre es, wenn man sagen dürfte: Durch Zauberei! Allerdings kommt man heutzutage damit nicht weit. Die Leute sind gut informiert und glauben halt nicht mehr an sowas. Aber – die Wahrheit ist viel langweiliger. Ich spiele zwar mit Joe erst seit knapp vier Jahren zusammen, aber wir kommen zusammen auf annähernd 120 Jahre gitarristischer Erfahrung. Da muss man dann nicht noch wochenlang proben, um traditionellen Jazz ordentlich zu Gehör zu bringen.

Um einen Standard vom Sheet bis zur Aufführungsreife zu bringen (ob dann solo oder im Duett ist egal), muss ich ihn an die 100 Mal spielen, wahrscheinlich eher 200 Male. Da steckt also nur wenig Talent drin, dafür umso mehr Arbeit.

Ebenso ist meine oft gelobte schnelle Auffassungsgabe eher ein Beweis für diszipliniertes Zuhören (wird stets gewaltig unterschätzt) und eine gut trainierte Mustererkennung, als für irgendeine besondere Begabung. Es ist verständlich, dass Menschen, die keine Zeit oder auch keine Lust hätten, sich derart fanatisch in ein Instrument „zu beißen“, wie ich und die anderen Spinner es taten und noch tun, lieber an ein Jazz- oder Gitarren-Gen glauben mögen, als an ein vorhersehbares Ergebnis harter Arbeit. Klar, ohne ein bestimmtes Maß an Musikalität geht es nicht, aber dieser Anteil ist geringer, als gemeinhin vermutet wird.

Schon der legendäre Charlie Parker antwortete auf die Frage, wie es denn käme, dass er so genial spiele, mit dem denkwürdigen Satz: „Das muss daran liegen, dass ich seit vielen Jahren tagtäglich mindestens acht Stunden in dieses Horn blase.“ Ah, Zauberei!

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige

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Abgeschossen

Liebe Leser,

wenn Ihr nun diesen Text lest, dann ist es schon die dritte oder gar vierte Version. Immer wieder verwarf ich Passagen oder auch den ganzen Text, weil ich es einfach nicht vernünftig erzählen kann. Mann, bin ich sauer! Kurz gesagt habe ich noch immer gehörige Wut im Bauch, weil unsere Band abgeschossen wurde. Abgeschossen von einem Menschen, der sich in seiner begrenzten Wahrnehmung offensichtlich nicht vorstellen kann, dass die eigenen nicht vorhandenen musikalischen Fähigkeiten den anderen Mitgliedern eines Ensembles gehörig schaden können. Wovon spricht der Mann?

Wie bereits hier im Blog ausführlich geschildert, war ich nach langer Zwangspause (Corona, Ihr erinnert Euch?) über Ostern endlich mal wieder auf dem Internationalen Jazzworkshop in Erlangen. Und dort werden zu Beginn unter Leitung der einzelnen Dozenten Combos gebildet, die dann beim großen Abschlusskonzert einige Songs vor großem Publikum darbieten. Das habe ich in der Vergangenheit schon mehr als ein Dutzend mal mitgemacht und dabei allerlei erlebt. Ich halte mich also – auch dank meiner langjährigen Bühnenerfahrung – für nicht so leicht aus der Ruhe zu bringen, zumindest auf der Bühne dieses Abschlusskonzerts.

Wie in vielen Jahren zuvor war ich Gitarrist in der Band von Romy Camerun. Und wir waren eine starke Band, die Romys stets anspruchsvolles Programm gut zu Gehör bringen hätten können, wenn da nicht, ja wenn da nicht diese Pianistin gewesen wäre. C. aus H. ist eine seltsame Person. Als Gott die Unmusikalität verteilte, hat sie offensichtlich mehrmals „Hier!“ geschrien, denn davon hat sie eine Menge abbekommen. C. war als Pianistin zum Workshop angereist. Das muss man schon wissen, denn aufgrund ihrer Befähigung auf dem altehrwürdigen Instrument wäre man da nicht drauf gekommen. Wir hatten ab der ersten gemeinsamen Probe Spaß. Nicht nur, dass C. die Vierklänge das Jazz nur rudimentär kannte, sie hatte auch keinerlei Timing oder ähnlichen unnützen Kram. Sie konterte unsere skeptischen Blicke nach einer mal wieder gänzlich verbotenen Performance mit geistreichen Bemerkungen in Richtung ihrer Rhythmusgruppe wie „Also, Richard hat jetzt aber nicht auf die 3+ eingesetzt!“ Angesichts ihres völligen Unvermögens, auch nur hin und wieder eine Time zu erwischen, blieb uns allen bei solchen Sprüchen regelmäßig die Spucke weg.

Nun meinte sie solcherlei wahrscheinlich nicht einmal böse, sie hatte tatsächlich nicht die geringste Ahnung von Musik, verpackt in eine immer eine Spur zu besserwisserische Art. Raue Schale mit hartem Kern, arrogantes Auftreten, dazu eine Prise Autismus. Na, wird schon schiefgehen… was es dann auch tat.

Während Romy den Rest der Band zu immer neuen Höchstleistungen trieb (wir waren bis auf eine weitere Ausnahme – die allerdings ein nettes Wesen hatte – auch ein ziemlich guter Haufen), mäanderte C. irgendwas auf ihren Keyboards. Wir hörten schon gar nicht mehr hin und freuten uns, wenn Romy, die nicht nur eine Weltklasse-Sängerin, sondern auch eine ausgezeichnete Pianistin ist, hin und wieder am zweiten Keyboard unterstützte. Und nach einer kurzen Woche, in der wir alle es tagtäglich aufs Neue verpassten, C. dahin zu schicken, wo sie hingehörte, also keinesfalls in eine Combo, kam der Tag des Abschlusskonzerts. Kleine Lades-Halle, großer Bahnhof, volles Haus, eine mächtige PA und C. am großen Steinway-Flügel!

Es kam, wie es kommen musste. Erster Song „I Didn’t Know What Time It Was“, gesungen von B., einer guten und erfahrenen Sängerin. Natürlich war der Songtitel für C. Programm. Sie setzte wirklich jeden einzelnen unserer Kicks auf die 4+, welche der Rest der Band äußerst präzise intonierte, daneben, wirklich jeden einzelnen. Im Solo (Scat/Gitarre) schmiss C. dann noch die Form (wobei das anhand der grotesken Akkorde, die ihre Hände in die Tasten hauten, gar nicht klar war – es hätte auch nur eine Anreihung falscher Akkorde sein können) und schoss B. und mich aus dem Song. Irgendwie hat jemand dann den letzten Chorus kommuniziert und wir brachten das Schiff kurz vor dem Untergang in den Hafen. B. war am Boden zerstört und C. hatte sich schon zu diesem Zeitpunkt Teeren und Federn verdient.

Als nächstes zerstörte C. das eigentlich nicht zu anspruchsvolle „Poinciana“, welches wir in moderatem Tempo als Bossa Nova spielen wollten. Die Sängerin K. (auch nicht gerade mit Musikalität gesegnet) schaffte tatsächlich den Einsatz, was den Rest der Band, die diesbezüglich allerlei Kummer gewohnt war, durchaus erfreute. Mitten in meine kurzen Solo (wann auch sonst) erschallten vom Steinway Akkorde, welche nicht zum aktuellen Abschnitt des Songs passten. C. hatte zwei Viertel verschmissen und spielte nun ihre eigene Form. Mein Solo löste sich im Nichts auf, wir brachten auch dieses Lied irgendwie zu Ende. Unsere Sängerin M. zog den Jackpot, da Romy beim folgenden „Summer Soft“ von Stevie Wonder die Tasten übernahm und wir – wer hätte es gedacht – diesen Song ganz großartig über die Bühne brachten.

Letzte Nummer, ein weiterer Song des großen Stevie Wonder; „Don’t You Worry About a Thing“ Am Gesang KB, eine hervorragende Sängerin, die mehr als einen Abend damit verbrachte, sich dieses Lied wirklich umfassend zu erarbeiten, insbesondere da unser Arrangement einige Fallstricke beinhaltete, die aber geil klangen – sofern man die Stellen richtig spielte. C. nahm den Titel erneut wörtlich und kümmerte sich wiederum um gar nichts. Nach dem holprigen Latin-Intro, welches nur durch Romys beherztes Mitklatschen einigermaßen in der Time blieb, zog C. noch einmal alle Register. Jeder, wirklich jeder, Kick, den Stimme, Bass, Schlagzeug und Gitarre präzise und knallhart spielten, wurde gefolgt von einem hinterhergehunzten „Pling“ aus der Richtung des Steinway. Das Lächeln gefror uns Übrigen auf den Lippen und jeder rechnete für sich durch, ob ein Jazz-affiner Richter bei Totschlag in diesem speziellen Fall wohl eine Bewährungsstrafe verhängen würde. Irgendwann war auch dieser Song zu Ende. Wahrscheinlich hat C. auch den allerletzten Kick daneben gesetzt, aber beschwören kann ich das nicht. Ich eilte nach kurzer gemeinsamer Verbeugung mit meinen geschundenen Bandkolleg:innen von der Bühne.

Bei der Suche nach den richtigen Worten für ein Resümee der gänzlich verbotenen Performance von C. und überhaupt ihres Verhaltens auf dem Jazzworkshop stieß ich auf meinen eigenen Text aus dem Jahr 2017, welchen ich – kein Witz – tatsächlich für eben dieselbe C. aus H. verfasst hatte, wenn ich auch vor fünf Jahren nicht mit ihr in einer Combo „dienen“ musste:

Neben vielen Talenten finden sich leider auch alljährlich ein paar Fälle, denen beim besten Willen nicht zu helfen ist. Das wäre nicht weiter schlimm, wenn es in irgendeiner Form auch nur die geringste Form der Einsicht gäbe. Oder wenigstens eine realistische Selbsteinschätzung. Es gibt nämlich gegen falsches Spiel ein patentes Rezept: Finger weg vom Instrument! Nun hat sich aber offensichtlich  in unserer schönen Zeit der Gedanke verbreitet, dass durch die Zahlung eines überschaubaren Geldbetrags jeder unmusikalische Trottel ein Anrecht darauf hätte, mit seinem stümperhaften Spiel in einem Jazzensemble zu glänzen, auch wenn er selbst nicht die geringste Ahnung von Musik hat. Da ja bekanntlich immer die Anderen schuld sind, nimmt man bei Songs, die trotz ihres überschaubaren Schwierigkeitsgrades definitiv die eigenen musikalischen Fähigkeiten überfordern, nicht etwa höflich die Finger von den Tasten, nein, die Welt hat sich um unseren verhinderten Musikus (das Maskulinum steht hier nur zur Vereinfachung des Satzbaus) zu drehen. Wenn schon die Einwürfe vom Klavier zur falschen Zeit, mit den falschen Tönen und selbstverständlich ohne jegliche Form (welche den organisatorischen Ablauf eines Liedes beschreibt, z. B. Strophe-Refrain-Strophe usw. oder z. B. AABA im Jazz) kommen, muss durch die Lautstärke und Eindringlichkeit des Geklimpers zumindest auch der Rest der Band aus dem Song fliegen. Totale Vernichtung. Und dann noch beschweren, wenn es keinem gefällt. Solch impertinenter Egoismus ist mir in den früheren Kursen nicht aufgefallen.

Zitat Ende. Wow! Ich unterschreibe jedes Wort noch heute. Toll formuliert, mein lieber Gige, muss ich schon sagen!

Ein Freund und ehemaliger Mitmusiker von mir war 2022 als Pianist auch erstmalig auf dem Workshop. Eigentlich ein guter Musiker und mit flinken Fingern gesegnet, hatte er auf dem Abschlusskonzert einen totalen Blackout. Zumeist war er einfach „lost“ und saß mit steinernem Gesicht am Steinway. Mir ist das auch schon passiert. Da ziehen sich die 20 Minuten ins Unendliche! Aber er hat NICHT irgendwas gespielt, er hat NICHT den Rest der Band aus dem jeweiligen Song geschubst. Er hat sich von daher sozial und in gewissem Sinne professionell verhalten. 

Anders C. In ihrer verdrehten Wahrnehmung hat sie die komplette Band abgeschossen, dabei in dem irrwitzigen Glauben, sie hätte im Großen und Ganzen eigentlich alles richtig gemacht. Als ich mit B. und J. nach unserem Auftritt im Foyer stand und wir unsere Wunden leckten, ich B. noch von der sofortigen Abreise und J. von einer spontanen Gewalttat abhalten konnte, gesellte sich C. zu uns und entschuldigte sich für ihr „etwas ungenaues Spiel“. Dass war derart absurd, dass wir in stiller Übereinkunft auf die eigentlich fällige Hinrichtung verzichteten. C. hat tatsächlich eine Wahrnehmungsstörung. Obwohl sie eine öffentliche Standpauke samt Vom-Hof-jagen-und-mit-Speiseresten-bewerfen verdient gehabt hätte, brachten wir als anständige Menschen solcherlei einfach nicht übers Herz. 

Aber, und das verspreche ich an dieser Stelle feierlich, ich werde NIE WIEDER C. gemeinsam in einer Combo mit mir zulassen und bei Rainer Glas auf ein lebenslanges Jazzworkshop-Verbot für C. aus H. drängen!

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige 

Inside Jazz – Jazzworkshop Erlangen 2022

Liebe Leser,

natürlich kommt dieser Beitrag eine Woche zu spät. Angesichts meiner ohnehin dürftigen Beitragsdichte in diesem Blog seid Ihr ja Kummer gewöhnt, oder? Zur Sache:

Yeah, ich war da! Nach nunmehr drei langen Jahren Abstand hat der 40. Internationale Jazz Workshop in Erlangen nun (endlich, endlich!) über Ostern (Samstag 16. April bis Sonntag 24. April 2022) tatsächlich stattgefunden. Nach den Absagen 2020 (siehe hier >>>) und 2021 hatte der Workshop-Gründer und -Veranstalter Rainer Glas verständlicherweise angesichts einer drohenden dritten Absage schon die Schnauze gestrichen voll. Ich glaube, wenn der Workshop dieses Jahr wieder abgesagt worden wäre, hätte er hingeschmissen. Aber die Pandemie zog sich netterweise zumindest von ihrer Gefahr für mehrfach Geimpfte temporär etwas zurück und die allgegenwärtigen Lockerungen ermöglichten das durchaus beeindruckende 40. Jubiläum, eben mit zwei Jahren Verspätung.

Leider erforderte die dennoch allgegenwärtige und allein vom gesunden Menschenverstand gebotene Rücksicht auf die ja noch längst nicht besiegte Pandemie einige Änderungen der allgemeinen Workshop-Organisation, so dass einige liebgewonnene Rituale aktuell praktikablen Lösungen weichen mussten. Das beliebte Prozedere der Anmeldung zum Kurs (bei dem man bei rechtzeitiger Ankunft wirklich ausreichend Zeit hatte, seine lang vermissten Musikerkollegen und Freunde zu begrüßen) wurde einige Stunden nach vorne verlegt und die kurze Vollversammlung zum Kursbeginn wegen mangelnder Abstandsmöglichkeiten gestrichen. Dennoch war die Wiedersehensfreude nach der langen Zwangspause geradezu unbeschreiblich. Brigitte, Ursula, Jörg, Malte, Martin, Johannes… zwei Dutzend weitere. Mann, hatte ich Euch vermisst! Die Anmeldeformalitäten wurden durch Elke, der Partnerin von Rainer Glas, in Sekunden erledigt und der 40. Internationale Jazzworkshop Erlangen konnte beginnen! Traditionell mit einem leckeren Cappuccino aus dem Bistro der VHS, welches auch unter neuer Leitung (der allseits sehr beliebte Wirt ist leider 2020 verstorben) alle Wünsche der Kursteilnehmer erfüllen konnte.

Als Dozenten traten 2022 an:

Romy Camerun (Gesang), Bernhard Pichl (Klavier), Andrey Lobanov (Trompete), Jürgen Neudert (Posaune), Tony Lakatos, Rick Margitza und Hubert Winter (Saxophon), Patrick Scales (E-Bass), Rainer Glas (Fredless- und Kontrabass), als Ersatz für den leider erneut wegen Krankheit pausierenden Helmut Kagerer (schlechtes Timing, Helmut!) erstmalig dabei der Straubinger Gitarrist Andreas Dombert (Gitarre), Harald Rüschenbaum und – auch zum ersten Mal dabei – Carola Grey (Drums) sowie (erstmalig) Alberto Diaz (Salsa-Band).

Wiederum Corona-bedingt musste der bewährte Tagesablauf des Workshops angepasst werden. So fielen der morgendliche „Spaß für alle“ unter der Leitung des genialen Harald Rüschenbaum und die „Rhythm-Grooves“ sowie der Chor am Nachmittag aus, zum Einen mangels Angebot ausreichend großer Kursräume und zum Anderen der Tatsache geschuldet, dass die Dozenten ihre jeweiligen Kurse auf zwei kleinere Gruppen aufteilen mussten. Immerhin konnten gegen 13:30 Uhr die Kurse Harmonielehre I (Rainer Glas) und II (Bernhard Pichl) stattfinden, bei denen es aufgrund des großen Zuspruchs dann allerdings mit den obligatorischen 1,5 m Abstand zwischen den Teilnehmern dann auch etwas knapp wurde. Anmerkung: Seit vielen Jahren hält sich hartnäckig das Gerücht, dass Rainers Harmonielehre-Kurs eher der für Einsteiger, der von Bernhard eher der für Fortgeschrittene sei. Nun, das kann man so und so sehen. Das Konzept der vier Erzeugerskalen (Melodisch-Moll, -Dur, Harmonisch-Moll, -Dur), welches Rainer erklärt, ist mindestens so tricky wie der Einstieg in die Stufen- und Funktionstheorie, welchen Bernhard lehrt.

Nach dem Instrumentalunterricht und der (selbstverständlich freiwilligen) Harmonielehre-Stunde geht es ab 15 Uhr in die jeweilige Combo. Nach 2018 war ich dieses Mal in alter Tradition wieder in der Combo von Romy Camerun, was wie all die Jahre zuvor ein im besten Sinne des Wortes unvergessliches Erlebnis war. Über unsere Performance beim Abschlusskonzert wird in einem separaten Beitrag noch zu sprechen sein.

Während die Einen nach ihrer jeweiligen Comboprobe noch zu Alberto Diaz in die Salsa-Band eilen, um dort unter der fachkundigen Anleitung des kubanischen Klaviervirtuosen einige (wer hätte es gedacht?) Salsas einzustudieren, genießen die Anderen ihr erstes Feierabendbier im lauschigen Innenhof der VHS. Und die ganz Eifrigen (ich, ich!) eröffnen schon um kurz nach 17 Uhr die Session im Cafe International, weil es um diese Zeit noch möglich ist, ein paar Nummern auch in ungewöhnlichen Besetzungen zu spielen, die vielleicht noch nicht so gut sitzen. Der einzige Wermutstropfen an dieser Location ist, dass die VHS und damit auch das Cafe um 21 Uhr schließt. Die Sessions im E-Werk dauerten oft bis nach Mitternacht und wurden auch von nicht zu wenigen Nicht-Kursteilnehmern besucht. Aber wie schon in den Vorjahren stand die Kellerbühne in der Workshopwoche eben nicht zur Verfügung, deshalb sei an dieser Stelle Schluss mit dem hadern, die VHS ist ja wirklich schön.

Am Freitag fand in der Kleinen Lades-Halle das Dozentenkonzert statt. Wieder einmal zeigten uns die Dozent:innen, was eine Harke ist. Natürlich haben alle fantastisch abgeliefert (bis auf Andreas Dombert, der an dem Abend leider nicht teilnehmen konnte, da er schon vor seinem Einspringen als Dozent anderweitig gebucht war), aber besonders hervorzuheben war das schöne Duett Camerun-Lakatos über den Standard „My Romance“. Beidseitige Impro mit Gesang und Saxophon von zwei Ausnahmemusikern – erste Sahne! Von Andreys Trompete und Carolas Drums klingeln mir zwar immer noch etwas die Ohren, aber das muss halt so. Ein toller Abend!

Am Samstag dann schließlich der Höhepunkt des Workshops, das Abschlusskonzert der Teilnehmer, wiederum in der Kleinen Lades-Halle. Traditionell eröffnet Harald Rüschenbaums Bigband gegen 17 Uhr das gewaltige Konzert, welches bis Mitternacht, also etwa sieben Stunden dauert. Wie in all den Jahren zuvor hatte es der Meister auch dieses Jahr wieder geschafft, den inhomogenen Haufen von Musikern in nur einer knappen Woche zu einem Klangkörper zu formen, bei dem das Zuhören wirklich Spaß machte. Hexenwerk!

Die nachfolgenden Combos lieferten durchwegs gute, bisweilen hervorragende Performances ab, wobei sich das Tempo gegen Ende zunehmend steigerte, da die letzten drei Bands die von Carola Grey (World-Music und Fusion), Alberto Diaz (Salsa) und Patrick Scales (Funk) waren. Über unseren Auftritt (Combo von Romy Camerun, Jazz & Soul) wird wie erwähnt noch gesondert berichtet. Erfahrene Kursteilnehmer nutzen den Abend des Abschlusskonzertes schon für die Verabschiedung, da viele Teilnehmer und auch Dozenten noch in der Nacht oder früh am Sonntagmorgen in ihre jeweilige Heimat zurückfahren müssen und es zu später Stunde am Samstagabend in Erlangen kaum möglich ist, sich in Ruhe in einer netten Kneipe zusammenzusetzen und den Workshop gemächlich ausklingen zu lassen. Daher lieber noch einen kleinen Drink und Plausch im Foyer der Lades-Halle. Das hat sich bewährt.

Zum Abschlusskonzert bekam Rainer Glas dann endlich seine wohlverdiente Geburtstagstorte (super-Idee, Brigitte, herzlichen Dank), welche ihm kurz nach der Eröffnung des Abschlusskonzerts einigermaßen feierlich überreicht wurde. Man kann ihm für sein jahrzehntelanges Engagement und seine unermüdliche Arbeit für diesen Workshop nicht genug danken. Viele Profimusiker haben sich auf dem Internationalen Jazzworkshop in Erlangen ihre ersten Sporen verdient bzw. danach ein Musikstudium oder ähnliches begonnen. Auch mein musikalisches Netzwerk besteht zum größten Teil aus Menschen, welche ich in Erlangen kennenlernen durfte. Rainer, bleib gesund und uns noch möglichst lange erhalten!

Alles in allem war es nach langer Pause wieder mal eine grandiose Woche, in der wir Teilnehmer jede Menge Jazz und auch Inspiration getankt haben, welche uns jetzt ein Jahr lang über Wasser halten soll, bis es an Ostern 2023 hoffentlich wieder heißt: Auf nach Erlangen! 

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige 

gitarre.blog

Liebe Leser,

seit nunmehr einigen Jahren habe ich alles Musiktheoretische und den Gitarristen-Fetisch-Kram aus diesem zu meinem Zweit-Blog Avanti Dilettanti bei Google ausgelagert. Ich will meine ohnehin überschaubare Leserschaft bei WordPress nicht auch noch damit langweilen. Dank der mächtigen Suchmaschine und ihrer globalen Vernetzung war dort die Anzahl der Besucher zwar größer als hier (ja, noch größer), aber Feedback oder gar Interaktion ebenso spärlich.

Nun bin ich aber im großen weiten Web auf Stefan Kornherrs schönen

gitarre.blog

gestoßen. Hach ist das schön! Ein optisch ansprechender Blog mit gut strukturierter Oberfläche und höchst interessanten Beiträgen. Sogar die Comics sind gut. Und tolle Podcasts gibt es auch noch. Die vorgestellten Künstler und Projekte sind allesamt hochklassig und auf internationalem Niveau.

Zwar liegt das Hauptaugenmerk von Stefan Kornherr auf der stets akustischen und zumeist klassischen Gitarre, doch auch der Fingerstyle kommt nicht zu kurz. Obwohl es auch Beiträge zur Bossa Nova gibt, ist allerdings der Jazz meines Erachtens etwas unterrepräsentiert. Das macht aber so rein gar nix, denn das ist ja nun mein eigentliches Metier! Durch eine kleine Spende in den virtuellen Gitarrenkoffer kam ich mit dem Blogherrn© ins Gespräch und wir schrieben uns einige Male. Nun, um es kurz zu machen: Ich werde meine Aktivität auf Avanti Dilettanti zugunsten von regelmäßigen Gastbeiträgen bei gitarre.blog einstellen. Ein erster kleiner Artikel von mir ist dort bereits zu lesen. Ein echtes Interview gibt es baldigst!

So denn, lasst uns ohne großes Tamtam Avanti Dilettanti begraben. Es lebe gitarre.blog! Und ganz nebenbei: Eindimensionale Text-Blogs wie hier der meinige bei WordPress, so ohne Video und Podcast, liest eh kaum noch jemand. Seufz.

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige

Reverse Engineering

Liebe Leser,

wenn ich mir die Mühe gemacht habe, einen populären Jazzstandard als Fingerstyle-Solo-Tune zu arrangieren, so bin ich zumeist gezwungen, dies dann im Nachhinein schriftlich festzuhalten. Ab – sagen wir mal – 200 aufbereiteten Songs beginnt auch das beste Gedächtnis bisweilen zu streiken. Insbesondere, wenn man aufgrund einer Pandemie monatelang sein Repertoire nur noch spielt, „um nicht einzurosten“. Als sehr hilfreiches Tool hat sich hierzu die Software Guitar Pro erwiesen, deren aktuelle Version 7.5 bei Europas größtem Musikhaus, dessen Name nicht genannt werden muss, für schlappe 65,- € zu haben ist.

In Guitar Pro kann man die Töne sowohl in Noten- wie auch in Tabulaturzeilen direkt eingeben (auch per Midi, was ich aber nicht nutze), so dass ich zumeist mein Head-Arrangement direkt eintippen kann, ohne dafür die Gitarre überhaupt in die Hand nehmen zu müssen. Der Song kann jederzeit über die Soundkarte abgespielt werden, so dass das Arbeitsergebnis stets überprüfbar ist.

Wenn man ein Arrangement sozusagen „in Erz gießt“, sollte man es bei dieser Gelegenheit gleich einmal gegen das Realbook überprüfen. Dabei offenbart sich bisweilen Erstaunliches. Manchen Ton oder manche Notenlänge hatte ich mir offensichtlich bei der Erarbeitung des jeweiligen Songs nicht richtig gemerkt oder eben falsch antrainiert. Die Grifffolge, welche mir eben noch äußerst plausibel erschien, habe ich offenbar bei jedem Live-Gig „hingebogen“, denn die Finger wollen während des (Probe-)Spiels gar nicht an die Positionen, die ich in Guitar Pro notiert hatte.

Andererseits entdeckt man auch Hürden im Sheet, die man offenbar lange Zeiten einfach vermieden hatte. Ok, ganz ehrlich, wenn man sich wegen einer vorgezogenen Achtel die Finger verbiegen muss, modifiziere ich großzügig die Melodie. Ich gehe auf die 60 zu, ich darf das. Insbesondere, wenn es wie üblich ein Solo-Arrangement ist. Dennoch korrigiere ich natürlich Fehler und Ungenauigkeiten und passe die Akkord- bzw. Basslinien entsprechend an. Obwohl ich den jeweiligen Song bisweilen schon jahrelang im Repertoire habe, dauert dann so ein Update auf der Gitarre schon mal ein (oder mehrere) Dutzend Durchgänge, bis der Standard wieder sitzt.

Letztendlich erzeugt die Eingabe in Guitar Pro zum Einen ein bleibendes Zeugnis der eigenen Arbeit (ist aber wesentlich entspannter als das Kritzeln mit Federkiel auf Papierfetzen), zum Anderen eine frisch überarbeitete Version (und natürlich ein Leadsheet) eines Liedes, welches man ab diesem Zeitpunkt wieder live darbieten kann.

Das Schöne ist nämlich, dass man in Guitar Pro nicht nur Gespieltes eingeben, sondern auch Eingegebenes spielen kann!

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige 

Gedanken zum Jahresbeginn

Liebe Leser,

natürlich habe ich wieder viel zu lange mit Arbeit und so ’nem Kram herumgetrödelt, dass dieser Beitrag zur Begrüßung des neuen Jahres schon fast zum Ende des Karnevals erscheint. Da selbiger – wie so vieles – ausfallen wird, ist auch diese Angabe irrelevant. Wie immer entschuldige ich mich in aller Form für … naja, alles eben. Nun aber der Text: 

So, endlich ist 2020 Geschichte. Wir haben jetzt 2021 und alles wird besser. Hatte ich mir so gedacht. Ja, Pustekuchen. Wir hocken im verschärften Lockdown und freuen uns, wenn die Impfquote der Bevölkerung im Promillebereich ansteigt. Langsam aber sicher geht mir Corona auf die Nerven. Soeben habe ich eine Nachricht von Rainer Glas erhalten, dass der 40. Internationale Jazzworkshop Erlangen auch im Jahr 2021 nicht stattfinden kann. Die Nachricht wird auch bei der Wiederholung (siehe diesen Beitrag von 2020 >>>) nicht besser.

Die Pläne, die ich mit Beginn der Pandemie für 2020 gemacht hatte („Ab Herbst können wir dann…“) sind jetzt offenbar auch für 2021 obsolet. Weia, das nervt gewaltig!

Und dann noch die Bekannten (echte Freunde sind es zumeist nicht), die in der Krise eine Herausforderung oder gar Chance sehen. Träumer, die in Kurzarbeit kreativ werden oder in „systemrelevanten“ Berufen (womit natürlich nicht die tatsächlich systemrelevanten und hart schuftenden Helden im Gesundheitswesen etc. gemeint sind!) arbeiten, wo man außer der obligatorischen Maske nichts von der Pandemie bemerkt. Herrje, ich hab’s gerafft! Online-Konzerte streamen, Unterricht per Skype, Harmonielehre-Kurse über das Web und so weiter und so fort. Jaja, schon klar. Ich mach ja schon!

Am besten ist der Tipp, viele Videos für YouTube zu produzieren, so wegen Influencer oder Content-Creator und all den Schissl. Das ist eine entsetzliche Arbeit – seit Tagen schneide ich an einem 3-Minuten-Video herum – und bringt dem (nicht mehr ganz taufrischen) Live-Musiker genau gar nichts. Um es frei heraus zu sagen (entschuldigt den rüden Ton, Ihr Blog-Leser seid explizit ausgenommen und ohnehin meine Treuesten!): Steckt Euch sämtliche gutgemeinten Rat-, Optimierungs-, Vor- und sonstigen Schläge an den Hut. Naja, ging doch, war nicht zu rüde. Also: Was ich tun müsste, weiß ich. Nur nicht wann. Und ich weiß auch nicht, wie man das alles bezahlen soll.

Ein passabler Weg, darbende (eine zugegebenermaßen angesichts meines Leibesumfangs etwas fragwürdige Formulierung) Künstler zu unterstützen, ist es, deren Erzeugnisse bzw. Merch (= Merchandising-Kram – die Abkürzung wird inzwischen sogar von der Rechtschreibprüfung toleriert) zu kaufen. Und es gibt ja allerhand:

Man kann sich die „Harmonielehre für Gitarre“ von Helmut Kagerer & Gige Brunner (siehe dieser Beitrag >>>) bestellen, oder eine der schönen (neuen) CDs „dreipunktnull“ (siehe dieser Beitrag >>>) bzw. „Bossa Nova“ (siehe dieser Beitrag >>>). 

Bestellung per Mail an jazz@gige.de oder auf allen legalen Kommunikationswegen zu mir. Oder das:

Ganz heißes Zeug. Für Gitarristen. Feine Fingerstyle-Arrangements populärer Standards aus Jazz und Bossa Nova. Derzeit lieferbare Hefte (als PDF):

La Mer, Se é Tarde Me Perdoa, Out of Nowhere (und in den nächsten Tagen Lobo Bobo und On a Slow Boat to China). Jedes PDF enthält ein Fingerstyle-Arrangement des kompletten Songs in kombinierter Notation und Tabulatur sowie eventuell ein paar Anmerkungen und kostet 5 Euro. 

Bestellung per Mail an jazz@gige.de oder auf allen legalen Kommunikationswegen zu mir. Zudem auch direkt über den Verlag unter www.hm5-publishing.de (wo ich die PDFs baldigst auf der Website einstellen bzw. bewerben werde, versprochen!).

All diese schönen Sachen werde ich impertinent bei YouTube bewerben und zudem den jeweiligen Beitrag durch einen gewieften Titel als Clickbait nutzen. Ja, so clever bin ich drauf! Ihr findet meinen Kanal in Youtube >>> unter dem knackigen gige2009. Seufz…

Zu guter Letzt wird es im März (hoffe ich) einen Online-Kurs zum Thema Harmonielehre bei der vhs Schwabach geben, für den ich das oben genannte Buch in handliche Happen zerteilt habe, die sich zum Einen in vier Lektionen und zum Anderen ohne explizite Gitarrenkenntnisse genießen lassen. Ankündigung und Ausschreibung erfolgt zeitnah. 

So wurde meine wütende Abrechnung mit dem ganzen Volk der Krisengewinnler, Optimierer und Consulter (welche ich schon in meinen Angestellten-Zeiten nicht ausstehen konnte) nun doch zu einer Werbeveranstaltung in eigener Sache. Aber wie sagte schon Brecht so schön: Erst kommt das Fressen, dann kommt die Moral!

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige

Harmonielehre für Gitarre 2020

Liebe Leser,

ich habe es wieder getan. Und muss umgehend gestehen, dass ich diese Wendung hier im Blog schon fast inflationär benutze. Nein, diesmal nicht schon wieder eine CD aufgenommen. Ich habe eine Harmonielehre für Gitarre geschrieben. So sehr ich auch hinter dem 2015 bei PPV Medien erschienenen gleichnamigen Buch (Co-Autor Thomas Dütsch) stehe, es gab einige Sachen zu korrigieren und ich erwarb viele musiktheoretische Erkenntnisse, von denen wir zur Entstehungszeit des 2015er Buchs einfach nichts wussten. Obwohl sich dieses (Früh-)Werk immer noch ganz ordentlich verkauft, wollte der Verlag keine völlig überarbeite 3. Auflage herausgeben.

Dann eben nicht. Und ich setzte mich hin und begann, die Harmonielehre immer weiter zu korrigieren, zu verbessern und schließlich völlig neu zu schreiben. Im Jahr 2018 lernte ich den bekannten Jazzgitarristen Helmut Kagerer kennen und schätzen. Wir spielten einen Gig zusammen und verstanden uns prächtig, musikalisch wie auch persönlich. Und dann kam für Helmut eine mehr als einjährige Leidenszeit in Form einer schmerzhaften Sehnenscheidenentzündung, die jegliches Live-Spiel verhinderte. Die war dann Anfang des Jahres 2020 gottseidank endlich ausgeheilt. Und dann kam Corona…

Konnten wir in den Sehnenscheidenentzündungszeiten (warum Google diesen völlig plausiblen Begriff markiert, bleibt unklar) wenigstens noch Korrekturen und Lektoratsarbeiten gemeinsam bei einem Bier diskutieren und im Buch vorgeschlagene Wendungen gleich einer praktischen Prüfung unterwerfen, war dies nach nach Ausbruch der Corona-Pandemie nicht mehr möglich. Aber da war die gesamte Schreibarbeit erledigt und wir konnten uns Texte zur Korrektur hin und her mailen. Ist zwar langweiliger, tut’s aber in diesen Zeiten auch. 

Durch einen Zufall stieß ich Ende 2019 auf den Spurbuchverlag, der eigentlich und ursprünglich Jugend- bzw. Pfadfinderliteratur verlegte und noch verlegt. Der Verlagsleiter, immerhin selbst Hobby-Gitarrist, mit Profi-Musikern im familiären Umfeld) besah sich das Manuskript und befand es für gut. Im Mai 2020 äußerte er ernstes Interesse an diesem Buch und kurze Zeit später ging es an die allgemein beliebten Produktionsvorbereitungen (Lektorat – Korrektur – Satz – Korrekturabzug – und wieder von vorne), welche aber – das sollte nicht unerwähnt bleiben – stets produktiv und immer freundlich abgewickelt wurden. Und Drucken können sie auch, die Unterfranken, wie ich heute angesichts der gelieferten Belegexemplare feststellen durfte. Das Buch ist sehr schön geworden!

Warum solltet Ihr nun also diese Harmonielehre kaufen (oder zumindest allen ambitionierten Gitarristen in Eurem Bekanntenkreis zu Weihnachten schenken)? 

Nun, die Struktur und der didaktische Ansatz sind wie bei der Harmonielehre von 2015 (weil beide einfach gut sind). Nach der Herleitung der Akkordtypen aus der Durtonleiter kommen wir von der Begleitung zum Solo, also zum Single-Note-Spiel. Von vier Tönen (Arpeggien) steigern wir uns sozusagen Ton für Ton über Pentatonik und Bluesskala bis hin zu den Kirchentonarten und Molltonleitern. Mit Stufen- und Funktionstheorie analysieren wir dann einige Standards. Diese aus dem 2015er Buch bekannte Struktur behalten wir bei, weil sie, wie gesagt, gut ist. Aber im Detail hat sich allerhand getan:

Eine der am häufigsten von uns Gitarristen eingesetzte Skala ist die Bluestonleiter. Da aber bis zu drei Bluenotes postuliert werden, ist die Definition, welche Töne denn nun zu einer „richtigen“ Bluesskala gehören, heftig umstritten. Dieses Mysterium wird einleuchtend und praxistauglich geklärt.

Meine persönliche Auswahl an Skalen für ein Solo ist etwas (höflich formuliert) hausbacken. Helmut hat mir bei so mancher Gelegenheit eine Mixolydische oder Harmonisch-Moll-Skala mit dem Hinweis „Das spielt seit 50 Jahren keiner mehr an dieser Stelle“ ausgeredet. Für die Insider: Ja, ich spiele inzwischen auch Alteriert und Halbton-Ganzton. Nicht zu oft, aber immerhin…

Helmuts Erfahrung nach über 40 Jahren als internationaler Jazzgitarrist und fast 30 Jahren Dozent an der Musikhochschule sind wirklich tiefschürfende Erkenntnisse beim Umgang mit verminderten Akkorden und bei der Analyse von Jazzstandards zu verdanken. Ich hätte nicht gedacht, dass ich nach so vielen Jahren Erfahrung bei einem abgedroschenen (aber nichtsdestotrotz schönen) Standard wie „The Girl from Ipanema“ noch so viel dazulernen kann. Um es mit Gerhard Polt (aus „Der Leasingvertrag“) zu sagen: Doch, das geht!

Als Sahnehäubchen gibt es einige nette Cartoons aus meiner Feder! Also:

Da das schönste Buch leider nur dann erfolgreich sein kann, wenn es sich ordentlich verkauft, habt Ihr hier das ultimative Weihnachtsgeschenk für all Eure Gitarren-affinen Musikerfreunde. Die Harmonielehre für Gitarre von Gige Brunner & Helmut Kagerer kostet 22,80 € und Ihr könnt sie bei mir (jazz@gige.de) oder beim Spurbuchverlag bestellen. Versandkosten fallen nicht an! Auf denn, lasst uns (gemäß dem Untertitel)

Endlich weniger falsch spielen!

Ob ich Euch das garantieren kann? Selbstverständlich nicht. Aber ich glaube ernsthaft, dass die Beschäftigung mit Harmonielehre das eigene Spiel immens verbessert!

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige 

dreipunktnull

Liebe Leser,

ich habe es wieder getan. Ich habe eine CD aufgenommen. So mit Musik drauf. Also alte Jazzstandards solo mit Gitarre eingespielt, garantiert ohne Gesang. Jüngere unter der Leserschaft mögen sich nun fragen, was eigentlich genau so eine “CD” ist. Dieser etwas abgedroschene Witz wird schnell bedeutsam, wenn sogar die treuesten Fans beim Erwerb dieser Scheibe betonen, dass sie sich jetzt erst einmal auf die Suche nach einem geeigneten Abspielgerät machen müssten, um meine neueste Produktion tatsächlich anzuhören.

Ein ganz treuer Fan hat mich bei der Bestellung gebeten, doch ein paar Worte im Blog über die Scheibe zu schreiben. Dies freut mich doppelt, da ich zum Einen eine weitere CD unters Volk bringen konnte und zum Anderen tatsächlich hin und wieder jemand Beiträge auf diesem Blog liest.

Nun also – dreipunktnull. Schon seit der Veröffentlichung meiner ersten Solo-CD “Jazz” im Jahr 2012, bei der ich für ein Erstlingswerk wirklich vieles richtig, aber leider auch so manches nicht so doll gemacht habe, trage ich mich mit der Idee einer weiteren Veröffentlichung mit schönen Jazzstandards im Fingerstyle. 2015 erschien dann die etwas andere „Gige & Friends – Best of Van Heusen“, auf welcher ausschließlich Stücke von van Heusen zumeist in Duo-Besetzung dargeboten werden. 2019 war nun die Zeit für einen weiteren Tonträger, den die Welt wahrscheinlich wieder einmal nicht braucht. Insbesondere heutzutage, da wir jeden gespielten Ton online veröffentlichen und unentgeltlich (in den sozialen Medien) oder zumindest günstig per Streamingdienst zur Verfügung stellen. 

Nun, den Inhalt dieser CD gibt es nicht (legal) zum Downloaden oder Streamen. Der größte Anteil meines geneigten Publikums besitzt im Auto und oft auch noch zu Hause einen CD-Player mit zugehöriger HiFi-Anlage. 

Wie schon auf meiner ersten CD “Jazz” aus dem Jahr 2012 habe ich einige gut abgehangene Standards des Great American Songbooks nebst selteneren Stücken solo im Fingerstyle eingespielt, wiederum auf durchaus betagten Instrumenten. Den Anspruch, die Songs mit ihrem jeweiligen zeitgenössischen Gitarrensound zu versehen, habe ich inzwischen aufgegeben. Wenn Gott gewollt hätte, dass wir die Archtops ausschließlich akustisch spielen, warum hat er uns dann den Tonabnehmer und den Verstärker geschenkt?

Die Aufnahmen im Picking-Style à la Chet Atkins wurden mit einer No-Name-Gitarre aus den 1940er Jahren, die allerdings mit einem alten Framus-Pickup versehen ist, aufgenommen, die Balladen und einige Swing-Stücke mit einer Gibson L-5 1934 reissue, wobei ich mich hierbei eher an meine aktuelle Laune denn an eine feste Regel gehalten habe.

Beide Gitarren sind über einen AER Compact 60 gespielt, welcher von Clemens Bröse im Übungsraum unseres Jazztetts per DI und Mikro abgenommen wurde. Er hat mit größter Geduld und Bedachtheit an einem Tag alle wohlklingenden Takes der ausgesuchten Standards (und noch einige mehr) aufgenommen, mit denen ich anschließend zum Mixen ins Studio ging.

Den Mix und das Mastering erledigte wie seit über 30 Jahren Oskar Schrems im Tonstudio Success in Fürth. Im Gegensatz zu den 2012er Aufnahmen stand bei diesem Mix nicht der akustische Klang der Gitarre im Vordergrund, sondern der Sound des jeweiligen Songs. Oskar hat keine meiner bisweilen ausgefallenen Ideen im Vornherein abgelehnt und sie allesamt mit seiner Erfahrung und hochwertigster Technik wunderbar umgesetzt.

Die Songs auf dreipunktnull sind natürlich aus meinem Live-Repertoire und überwiegend Swing-Nummern bzw. Balladen aus den 1920er bis 1950er Jahren, wie immer mit ein paar Ausreißern.

Folgende Nummern findet Ihr auf der CD, in der Reihenfolge dieser Beschreibung::

S‘ Wonderful! aus dem Jahr 1927 von George Gershwin ist eine flotte Swingnummer zum Einstieg, gefolgt von After You‘ve Gone (1918) von Creamer & Layton. Ich liebe diesen Song! Er war bereits vor 100 Jahren (!!!) ein Nummer-1-Hit und hat nichts von seinem Charme eingebüßt. Und weil er sowohl als tragische Ballade wie auch als Medium-Swing taugt, spiele ich ihn auf dreipunktnull auch in beiden Versionen. Attila Zoller schrieb The Birds and the Bees im Jahre 1971. Ein tolles Stück, welches viel zu selten gespielt wird. Helmut Kagerer hat mich seine Version gelehrt, die mir so gefiel, dass ich sie sofort auf CD bannen musste. Jedes mit durchsetzungsfähigen Bläsern bestückte Ensemble spielt Caravan von Duke Ellington (1936). Als Stück für Solo-Gitarre ist es eher selten zu finden, in meinem aufregenden Arrangement schon gar nicht. Eine Zierde dieser CD! Der Gitarrist Joe Bawelino zeigte mir den wunderschönen Troublant Bolero von Django Reinhardt, erstmals 1948 erschienen. Für diese Nummer gibt es kein Sheet, keine Notation, ich habe es mir tatsächlich von Joe abgeguckt. Umso mehr freut mich die meines Erachtens sehr gelungene Einspielung. Es geht in sehr gemäßigtem Tempo weiter mit Cry Me a River aus dem Jahr 1953 von Arthur Hamilton, welches von Douce Ambiance (1943), einem weiteren Django-Reinhardt-Song abgelöst wird. Auch diese Komposition ist bis dato eher selten solo aufgenommen worden. Es folgt I’m Confessin’ That I Love You (1930, Ellis Reynolds) eine flotte Ballade (oder ein langsamer Swing), gefolgt von dem Heiligen Gral der Fingerstyler I Got Rhythm. Das Gershwin-Tune aus dem Jahr 1930 ist natürlich von jedem Jazzgitarristen schon einmal aufgenommen worden, weshalb ich für meine Version sicher keinen Innovationspreis gewinnen werde. Dennoch ein heftig swingender Fingerstyle-Klassiker! Das 1944 von Karl Suesddorf geschriebene Moonlight in Vermont ist eine wunderschöne, schon fast etwas klebrige Ballade. Das Intro habe ich von Joe Bawelino geklaut, zumindest von der Idee her. Out Of Nowhere von Johnny Green (1931) bietet einen swingenden, melodischen Song, bei dem als technische Finesse tatsächlich Vierteltriolen in der Melodie zur straiten Viertelbegleitung im Bass gespielt werden, was eine 2:3 Rhythmik innerhalb einer (Zupf-)Hand bedeutet. Beyond The Sea aus dem Jahr 1943 von Charles Trenet ist vielen als La mer bekannt und ein immergrüner Hit. Jeder hat „Findet Nemo“ gesehen! Softly as in a Morning Sunrise (1929) von Sigmund Romberg ist ein Medium-Swing mit einer groovenden Basslinie. Schon 1954 schrieb der geniale Jazzgitarrist Johnny Smith über die Akkorde von Softly as in a Morning Sunrise das ikonische Walk, Don’t Run, welches ich im zweiten Chorus zitiere. Der Swing Secret Love (Sammy Fain, 1953) und das tragische What Are You Doing the Rest of Your Life von Michel Jean Legrand aus dem Jahr 1969 schließen die CD ab.

Wenn Ihr, liebe Leser, auch zu meinen lieben Hörern werden wollt, dann bestellt Euch eine der edlen Silberscheiben bei mir (ganz einfach per Mail an info@gige.de) und lasst Euch von den Gitarrenklängen verzaubern. Ups, das klang jetzt etwas zu sehr nach Ricky King…

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige 

Schlechtes Timing

Liebe Leser,

so, getan. Mist! Ich habe den erst seit ein paar Monaten geplanten und auch angekündigten CD-Release meines neuen Werkes “dreipunktnull” abgesagt. Ich hatte die CD (über die demnächst an dieser Stelle berichtet wird) fertig, einen schönen Veranstaltungsort, alle verfügbaren Familienmitglieder für diverse Aufgaben wie Catering oder CD-Verkauf in den Startlöchern stehen, eine brillante Mitmusikerin (für etwas Abwechslung zum Gitarrenklang) und eine erkleckliche Anzahl an Besuchern oder Zuhörern, die ihr Erscheinen angekündigt hatten. Das war schön! Fünf Jahre nach dem letzten CD-Release mal wieder eine Veranstaltung mit Gästen, die nicht ein paar kühle Biere zum Schweinebraten bei angenehmer Beschallung genießen wollten, sondern tatsächlich meine Musik hören. Und die vielleicht sogar noch die eine oder andere CD erworben hätten.

Doch die Zeichen standen schlecht. Der Coronavirus hatte mit der unübersehbaren Drohung einer Pandemie schon seit einigen Wochen Zeit sämtliche Livemusik-Planungen getrübt, aber ich dachte halt wie so oft “wird schon vorbei gehen”. Die Hoffnung stirbt ja bekanntlich zuletzt. 

Nun, es kam anders. Nach sukzessiven Absagen zuerst großer, dann mittlerer Veranstaltungen und der heutigen Rede der Kanzlerin mit der Bitte, doch die Zahl der sozialen (physischen) Kontakte in der nächsten Zeit drastisch einzuschränken, war es an der Zeit, eine Veranstaltung abzusagen, die sicherlich unter den beschriebenen Bedingungen nur sehr eingeschränkt hätte genossen werden können. Ich glaube, das war jetzt Futur 2 oder so. Naja, Ihr versteht, was ich meine.

Bin ich beim Gitarrenspiel mit meinem Timing im Großen und Ganzen zufrieden, so ist es bezüglich meiner gesamten “Karriere” in letzter Zeit eher mangelhaft. Ich habe viele Jahrzehnte geübt, um mit den Musikern zu spielen, mit denen ich das seit nicht allzu langer Zeit tun darf. Aber entweder fangen diese sich dann langwierige orthopädische Beeinträchtigungen ein, die überlange Spielpausen erzwingen, oder eine Pandemie lässt in der Primetime die Veranstaltungen ausfallen.

Bis Ostern hatte ich sieben gute Gigs oder Jobs im Kalender. Fünf wurden bis dato abgesagt, die verbleibenden zwei werden es sicherlich. Wie Rainder Glas seinen von mir so geliebten Jazzworkshop in Erlangen durchführen will, ist derzeit auch ein Mirakel. Und für unsereins gibt es kein Kurzarbeitergeld oder sonstige Unterstützung. Ist eben so. Hätten wir mal was Vernünftiges gelernt.

In der “Zeit” durfte ich wieder die Geringschätzung Vieler für die Sorgen der Kulturschaffenden in solchen Zeiten kennen lernen. Man könne ja die ganzen Veranstaltungen in den Herbst schieben, da entstünden kaum Verluste. Das ist natürlich Bullshit, denn der Herbst 2020 ist seit über einem Jahr nahezu durchgehend ausgebucht. Wer soll denn da was schieben? Es kommen magere Zeiten für den Live-Jazz!

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige 

Wie der Song wirklich geht

Liebe Leser,

eine Anekdote aus den 1970ern: Zu meiner ersten Schüler- bzw. Kellerband kam ich im Jahr 1977. Ich hatte die E-Gitarre meines Bruders (Telecaster-Nachbau von Hoyer) samt Kunstlederhülle (Gigbags gab es damals noch nicht) in der Hand sowie das ausgediente Küchenradio unserer Familie unter dem Arm und reiste mit dem öffentlichen Nahverkehr an. Das ist zwar nostalgisch und ziemlich retro, aber nicht die eigentliche Geschichte.

Nach äußerst kurzem Beschnuppern (ich war der einzige Bewerber auf weiter Flur) war ich Bandmitglied und man stellte mir das Repertoire vor. Das meiste habe ich heute vergessen, aber “Proud Mary” und “Bad Moon Rising” von CCR und “Samba Pa Ti” von Santana blieb mir in Erinnerung. Vor allem, da ich diese Songs umgehend mitspielte, obwohl ich sie zu diesem Zeitpunkt niemals gehört und kein Sheet oder dergleichen jemals gesehen hatte. Sie wurden mir von den Bandkollegen “gezeigt” oder “beschrieben”. Ernsthaft. Und trotz meines umfassenden Nicht-Wissens und 15 Jahre vor ernsthaftem und echtem Gitarrenunterricht spielte ich die Songs, auch live vor Publikum. Ich reimte mir halt zusammen, wie sie gehen könnten. Nun, oft hat es dem Publikum nicht wirklich gefallen, aber es waren die 70er, hey!

Anfang der 1990er Jahre diente ich 24 Monate in einer Tanzkapelle, meinetwegen auch als TOP40-Band zu bezeichnen. Hier waren die angesagten Hits schon von Kassette abzuhören. Ich hatte einen Philips-Player, bei dem die Bandgeschwindigkeit regelbar war, so dass man den abgespielten Song zumindest ungefähr der Gitarrenstimmung anpassen konnte. Die oben genannten CCR-Songs (die wir natürlich auch spielten) hörte ich mir nicht ab. Die kannte ich ja schon.

Noch heute stimme ich in meiner Tanzband auf Zuruf fröhlich “Proud Mary” an und habe es mir bis zum heutigen Tag nicht wirklich erarbeitet. Klar kann man zu jeder Zeit an jedem Ort einen Song kurz vor dem Gig bei Youtube oder sonstwo schnell zur Auffrischung des Gedächtnisses anhören, aber ich tu es nicht, zumindest nicht bei “Proud Mary”. Denn das kenne ich ja lange genug.

Nun sind die von mir so geschätzten Jazzstandards ja im Realbook bzw. in Sheets festgehalten, so dass hier keine Diskussion aufkommt, wie ein Song wirklich “geht”, oder? Doch dem ist nicht so. Erst vor kurzem (Frühjahr 2019) spielte ich in einer Jazzcombo unter Leitung eines international renommierten Musikers den Standard “Corcovado” von Antônio Carlos Jobim. Ich kenne den Song gut, habe ihn vielfach live gespielt und für von mir verfasste Beiträge auch schon des öfteren funktionsharmonisch analysiert.

Am Ende des Sheets sind zwei Takte notiert, die nur beim allerletzten Durchgang gespielt werden, dann eben, wenn der Song tatsächlich zu Ende ist. Dachte ich. Andrey wollte diese zwei Takte aber nach jedem Durchgang gespielt haben. Da wurde gar nicht diskutiert, “wie der Song eigentlich geht”. Und da Andrey bei weitem mehr Erfahrung mit Ensembles jeglicher Art hat als ich, zudem zu diesem Zeitpunkt der Chef auf der Baustelle war, verzichtete ich auf jede Art von Belehrung und zog meine Schlüsse:

Eine immer und überall gültige Definition, “wie ein Song geht” gibt es nicht! Wer das behauptet, kennt eben offensichtlich zu wenige Versionen.

Zumeist wird eine bestimmte Interpretation eines Künstlers oder das Sheet des Komponisten als Referenz verwendet, aber es ist sinnvoll, sich auch bei noch so abgedroschenen Titeln über das aktuell angesagte Arrangement zu verständigen. Wobei dies eigentlich eine Bringschuld des Bandleaders ist.

Sogar in das absolute Allgemeinplätzchen “Country Roads” hat der Komponist in die Originalversion zwei “Warte-Viertel” in die Strophe eingebaut, die bei der Überlieferung an den Lagerfeuern dieser Erde in den letzten 50 Jahren nicht zu selten weggelassen worden sind.

Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein andermal erzählt werden.

Euer

Gige